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CONCEPTOS
BÁSICOS:
Por Roberto Torres
Arte, actividad que requiere un
aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse
hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del
mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y
hace referencia a la realización de acciones que requieren una
especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de
jugar al ajedrez.
Acuarela, pintura realizada con pigmentos
disueltos en agua. La característica que distingue a la acuarela es su
transparencia; la superficie del papel resulta visible a través de sus
finos colores, creando un efecto velado, muy diferente del grosor y
opacidad de la pintura al óleo y de otros pigmentos disueltos en
aglutinantes más densos.
Batidor, cuadro o marco realizado
generalmente en madera, donde se coloca el lienzo o canvas.
Boceto
Proyecto o apunte general previo a la ejecución de una obra
artística. Esquema o proyecto en que se bosqueja cualquier obra. El
boceto de un libro, de una ley
Bodegón, Conocido como naturaleza muerta, es la representación
pictórica de objetos inanimados, como frutas, flores, caza, utensilios,
libros o instrumentos musicales, generalmente agrupados sobre una
superficie plana. El tema de la naturaleza muerta, sencillo y sin
pretensiones, no suele tener importancia por sí mismo; representa más
bien un medio para que el pintor practique la composición y la
representación de detalles y texturas.
Caballete, armazón de madera compuesta de
tres pies, con una tablita transversal donde se coloca el cuadro o
batidor. Los hay también verticales, en los cuales la tablita o soporte
se sube y baja por medio de una manivela.
Caricatura, retrato, u otra
representación, que exagera los rasgos físicos o faciales, o bien el
comportamiento, la vestimenta o los modales característicos de un
individuo, con el fin de producir un efecto grotesco. La caricatura (del
italiano caricare, ‘cargar’, ‘exagerar’) puede ser también el medio de
ridiculizar situaciones e instituciones políticas, sociales o
religiosas, y los actos de grupos o clases sociales. En este caso, suele
tener una intención satírica más que humorística, con el fin de alentar
el cambio político o social.
Cartón
, en bellas artes y artes aplicadas, esquema o dibujo a tamaño natural
que servirá de modelo para la obra definitiva, que puede ser una pintura
de caballete, un fresco, un mosaico, un tapiz, una vidriera, una
escultura o cualquier otro objeto. El cartón facilita al artista el
estudio previo de su obra para hacer los cambios y ajustes necesarios
antes de su realización final. El cartón debe tener el mismo formato que
la obra definitiva. La precisión con que se realice dependerá de la
técnica empleada. Para un fresco, el traslado del dibujo del cartón al
yeso, o a otra superficie permanente, se puede hacer de dos formas:
frotando el dorso con carboncillo y tiza (gis) y trazando el dibujo en
el anverso con una punta dura; o por estarcido, haciendo pasar
carboncillo en polvo a través de una serie de perforaciones a lo largo
del dibujo.
Color, fenómeno físico de la luz o de la
visión, asociado con las diferentes longitudes de onda en la zona
visible del espectro electromagnético. Como sensación experimentada
por los seres humanos y determinados animales, la percepción del color
es un proceso neurofisiológico muy complejo. Los métodos utilizados
actualmente para la especificación del color se encuadran en la
especialidad llamada colorimetría, y consisten en medidas científicas
precisas basadas en las longitudes de onda de tres colores primarios.
Cómic o Tebeo, narración contada por medio
de una serie de dibujos dispuestos en líneas horizontales y que se leen
de izquierda a derecha. Estas imágenes habitualmente están separadas
unas de otras y quedan contenidas dentro de los límites de unos cuadros
rectangulares (viñetas), aunque estas viñetas no se utilicen siempre.
Cuando se asocian palabras con las imágenes, aparecen dentro de la
viñeta, con frecuencia en cuadros explicativos o “leyendas”, o dentro de
“globos” o “bocadillos” que salen de la boca del que habla para
representar una conversación; o de la cabeza, en nubes, para representar
el pensamiento. El texto puede aparecer completamente separado de la
imagen, e incluso puede no haber texto en absoluto. Las palabras pueden
estar escritas a mano o de modo mecánico.
Claroscuro, en arte, efectos de luz y
sombra en una pintura o dibujo, ya sea monocromo o en color. Suele
referirse a una técnica que contrasta zonas brillantemente iluminadas
con otras de densa sombra. La sabia combinación de luz y sombra
(denominada a veces valores tonales) para conseguir efectos más
dramáticos es una característica de las obras de maestros renacentistas
Dibujo, representación gráfica sobre una
superficie, generalmente plana, por medio de líneas o sombras, de
objetos reales o imaginarios o de formas puramente abstractas. El dibujo
suele hacerse a lápiz, tiza, tinta o carboncillo, o combinando algunos
de estos procedimientos.
Fresco, técnica o arte de pintar con
pigmentos de origen mineral resistente a la cal y empapado de agua sobre
un muro con revoque de yeso todavía mojado, es decir, fresco. En el
renacimiento este proceso era conocido como buon fresco o ‘a la
italiana’ para diferenciarlo del fresco seco, que se realizaba sobre el
enlucido seco. A veces se aplica inadecuadamente este término al temple,
en el que los pigmentos se mezclan con huevo u otra sustancia
aglutinante y se aplican directamente sobre la mampostería.
Gouache, en arte, una acuarela de
pigmentos opacos en lugar de los pigmentos translúcidos de las
auténticas acuarelas. En el gouache los pigmentos están aglutinados con
cola o mezclados con pigmento blanco. Aunque carece de la delicada
luminosidad de la auténtica acuarela, es más sustancioso que ésta y su
textura se parece a la de la pintura al óleo. Además, la tendencia de
los colores del gouache a aclarar a medida que se secan permite una
amplia gama de efectos nacarados o tipo pastel.
La
luz, es emitida por sus fuentes en línea
recta, y se difunde en una superficie cada vez mayor a medida que
avanza; la luz por unidad de área disminuye según el cuadrado de la
distancia. Cuando la luz incide sobre un objeto es absorbida o
reflejada; la luz reflejada por una superficie rugosa se difunde en
todas direcciones.
Lienzo, tejido sencillo y de trama muy
tupida hecho con fibras naturales o sintéticas. La lona gruesa se
utiliza en la confección de toldos, bolsas de viaje, lienzos de pintura,
y la lona delgada sirve para confeccionar prendas de vestir. El lienzo,
preparado para pintar al óleo, es una tela de una sola urdimbre de lino
o de algodón, y algunas veces de cáñamo o de yute. El mejor lienzo para
la pintura es el de lino, que tiene la superficie más suave y es el
menos absorbente. Antes de su uso, el lienzo se tensa sobre un marco de
madera y se cubre con una capa de imprimación que evita que la pintura
penetre en las fibras. Fue en el siglo XV cuando en Europa los lienzos
comenzaron a sustituir a las tablas de madera como soporte de las
pinturas al óleo.
Perspectiva, Pretende representar el
aspecto tridimensional real de un objeto desde un punto de vista dado;
se refiere menos a la interpretación personal y artística que a la
resolución científica. Se presenta el objeto con toda la distorsión
angular y el escorzo con que lo percibe el ojo, pero los ángulos,
dimensiones, distorsión y escorzo exactos de cada parte se determinan
por medio de procesos matemáticos y no por medio de simples impresiones
visuales. Los elementos más importantes de este tipo de perspectiva son
el plano del cuadro (la superficie de representación), la línea del
horizonte, situada a la altura del punto de vista (los ojos del
espectador), y los diferentes puntos de fuga, donde convergen, sobre la
línea del horizonte, las rectas horizontales más importantes de la
figura.
Pintura, arte de representar imágenes
reales, ficticias o, simplemente, abstractas sobre una superficie, que
puede ser de naturaleza muy diversa, por medio de pigmentos mezclados
con otras sustancias orgánicas o sintéticas.
Arte que representa en superficie plana
cualquier objeto real o imaginario por medio del
dibujo y el
color. Los testimonios más antiguos del arte humano son
dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron
en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres.
Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco
cuando se aplica a paredes y techo usando colores disueltos en
agua y cal; al óleo cuando ha sido elaborada con colores
desleídos en aceite secante, por lo general sobre una tela. La pintura
al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la
acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua; a la
aguada se llama el
procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma
y miel; pintura al temple es la preparada con líquidos glutinosos
y calientes, en ella se emplea entre otros
productos,
el agua de cola. En la llamada de porcelana se usan colores
minerales endurecidos y unidos por medio del fuego.
Sombra, área de una superficie que está
oscurecida porque un objeto se interpone entre una fuente de luz y la
superficie. Cuando la fuente de luz es muy pequeña (una fuente puntual),
la sombra posee un contorno nítido y definido, pero cuando la fuente de
luz es extensa, hay una zona situada entre la sombra más oscura (la
umbra) y la parte completamente iluminada de la superficie, que puede
recibir un poco de luz, y que por tanto sólo es una sombra parcial (la
penumbra).
Tinta, toda sustancia pigmentada, líquida
o viscosa, que se utilice en la escritura, la imprenta o el dibujo. La
composición y consistencia de la tinta depende de los usos a que esté
destinada. Sin embargo todas las tintas contienen dos componentes
básicos: un pigmento, o tinte, llamado colorante, y un aglutinante, el
líquido en el que se dispersa el pigmento. Los tipos de tinta más
comunes son los de escribir, de dibujar, de imprenta y las tintas
invisibles.
Torso, tronco del cuerpo humano. Estatua
falta de cabeza, brazos y piernas, obra esculpida en yeso, mármol o
cualquier otro material, que es usada como modelo para dibujante.
otras definiciones
-
ARTE:
Acto mediante el cual, valiéndose de la
materia o de lo visible, imita o
expresa
el hombre lo material o lo
invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos
denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el
hombre desea exteriorizar,
obedeciendo a sus propios patrones de belleza y
estética. El artista para crear,
requiere ante todo estar dotado de imaginación, a través de la cual
responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos
por medio de palabras, formas,
colores y sonidos.
-
ARQUITECTURA:
En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de
construir, de acuerdo con un
programa y empleando los
medios diversos de que se dispone en
cada época; así podemos definirla como el arte de proyectar y construir
estructuras. La misma tiene un
sólido fundamento científico y obedece a una técnica compleja, por esta
razón se dice que sólo es arte cuando la
construcción es expresiva de la
voluntad espiritual de una época y esa expresión arquitectónica es el
resultado de todos los elementos constitutivos que emanan esencialmente
de las relaciones que se entablan con el espacio que conforma la obra y
el espacio que lo circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es
el arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus más acabadas
manifestaciones, la Arquitectura logra unir la belleza y la
utilidad, a tal punto que una
depende de la otra, pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin
para el cual se destina.
- ESCULTURA:
La Escultura es el arte de
crear formas expresivas de tres dimensiones reales, sean volúmenes,
cuando se emplean
materiales compactos, sean objetos
en los que predomina el espacio, apenas delimitado o indicado mediante
ejes que lo recorren, cuando se emplean materiales que pueden reducirse
a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales transparentes. La primera
forma es la tradicional, la segunda se desprende del
carácter que tiene la escultura de
vanguardia, pero ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor tradicional crea formas volumétricas
modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera y la
arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el granito, la
madera, el marfil, o bien haciendo
moldes que le permiten reproducir en
relieve lo que aquellos representan
en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales utilizando piezas
de hiero fundido, hilos de alambre, cintas de
acero, filamentos de madera, cuerdas
de violín y materiales
plásticos variados.
- ARTES VISUALES:
En su sentido más general,
son las que se relacionan con la impresión e
ilustración, las que se expresan por
medio de
gráficos e
imágenes; abarca todas las artes que
se representan sobre una superficie plana. Las Artes Visuales tienen
como
función el comunicar lo que el
artista desea expresar por medio de un
lenguaje visual, atendiendo tanto a
los elementos compositivos como a los
principios compositivos, para que la
obra en sí resulte agradable y de buen gusto para quien la observe.
2. ORIGEN DEL DIBUJO
Desde la
prehistoria el hombre trató de
reproducir en las paredes de las grutas las formas de los
animales que había observado,
logrando representar sus movimientos, la masa y la forma de los cuerpos;
así, nace este arte que es uno de los primeros practicados por el ser
humano, que siempre ha procurado representar los objetos como sus ojos
los veían. El hombre a través del
tiempo deja su huella traduciendo la
impresión que le transmite un objeto reproduciendo su forma, su tamaño y
su
volumen, bien por medio de un trazo,
como en el arte egipcio, griego y japonés, bien sugiriendo sobre todo el
aspecto del relieve por el
juego de las sombras y de la
luz; este último modo de expresión
es ya visible en los frescos de Pompeya y en los artistas del
Renacimiento italiano, como Leonardo
De Vinci. En términos generales, este arte se ha desarrollado en función
de las condiciones de existencia de cada época, de cada
cultura y de los progresos y
conocimientos acerca de los instrumentos y
técnicas utilizadas por los
artistas.
3.
CONCEPTO DE DIBUJO ARTÍSTICO
Es la representación de un
objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata
de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia
de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de
diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar
gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que,
por lo regular, tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el
dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y
convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo
y
juegos de sombras y luz. Lo que
caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas;
esto lo diferencia de la pintura, en la cual la
estructura de los planos se logra
mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del
complejo pictórico, que en virtud de su
fuerza expresiva, se convierte en un
arte independiente.
4. INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS
Las técnicas del dibujo son
diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más
utilizados son el lápiz, la pluma (tinta
china o sepia), el carbón, el
pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las
cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o
esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres,
etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego
a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los
colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos
mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo
y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios
cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco,
luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el
contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al
contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se
operara una reacción
química, dando como resultado la
fijación de los pigmentos. Los romanos emplearon la técnica del fresco
en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el
arte de la
Edad Media se destacan los mosaicos,
muchos de ellos realizados con
vidrio esmaltado, cortados en
pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas
de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos
molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la
yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se
pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy
delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un
método parecido que se aplicó para
pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las
técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple
y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz
y la sombra en La Virgen de las
Rocas, de Leonardo, o en
Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos
coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la
consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás.
Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente,
que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo
blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se
dejaba secar el exceso de aceite.
Colores vivos
Color, fenómeno físico de la luz o de la
visión, asociado con las diferentes longitudes de onda en la zona
visible del espectro electromagnético. Como sensación experimentada por
los seres humanos y determinados animales, la percepción del color es un
proceso neurofisiológico muy complejo. Los métodos utilizados
actualmente para la especificación del color se encuadran en la
especialidad llamada colorimetría, y consisten en medidas científicas
precisas basadas en las longitudes de onda de tres colores primarios.
No se conoce bien el mecanismo por el que las
sustancias absorben la luz. Aparentemente, el proceso depende de la
estructura molecular de la sustancia. En el caso de los compuestos
orgánicos, sólo muestran color los compuestos no saturados, y su
tonalidad puede cambiarse alterándolos químicamente. Los compuestos
inorgánicos suelen ser incoloros en solución o en forma líquida, salvo
los compuestos de los llamados elementos de transición.
El color también se produce por otras formas
que no son la absorción de luz. Las irisaciones de la madreperla o de
las burbujas de jabón son causadas por interferencia. Algunos cristales
presentan diferentes colores según el ángulo que forma la luz que incide
sobre ellos: este fenómeno se denomina pleocroísmo. Una serie de
sustancias muestran colores diferentes según sean iluminadas por luz
transmitida o reflejada. Por ejemplo, una lámina de oro muy fina aparece
verde bajo luz transmitida. Las luces de algunas gemas, en particular
del diamante, se deben a la dispersión de la luz blanca en los tonos
espectrales que la componen, como ocurre en un prisma. Algunas
sustancias, al ser iluminadas por luz de una determinada tonalidad, la
absorben e irradian luz de otra tonalidad, cuya longitud de onda es
siempre mayor. Este fenómeno se denomina fluorescencia o, cuando se
produce de forma retardada, fosforescencia. El color azul del cielo se
debe a la difusión de los componentes de baja longitud de onda de la luz
blanca del Sol por las moléculas de gas de la atmósfera. Una difusión
similar puede observarse en una sala de cine a oscuras. Visto desde un
lado, el haz de luz del proyector parece azulado debido a las partículas
de polvo que hay en el aire.
Daltonismo, trastorno de la visión, más
frecuente en los varones, en el que hay dificultad para diferenciar los
colores. Se debe a un defecto en la retina u otras partes nerviosas del
ojo. La primera referencia sobre esta condición se debe al químico
británico John Dalton, que padecía la enfermedad. Se conoce como
acromatopsia o monocromatismo a la ceguera completa para los colores.
Esta enfermedad congénita, en la que todos los matices de color se
perciben como variantes de gris, es muy rara, y afecta por igual a ambos
sexos. En el discromatismo, o ceguera parcial para los colores, hay
incapacidad para diferenciar o para percibir el rojo y el verde; con
menos frecuencia se confunden el azul y el amarillo. El discromatismo es
la forma más frecuente de daltonismo: lo padecen el 7% de los varones y
el 1% de las mujeres. Es una alteración que se transmite según un modelo
de herencia ligado al sexo. El daltonismo puede aparecer también de
manera transitoria tras una enfermedad grave.
La mayor parte de los daltónicos tienen visión
normal en lo que respecta a sus demás características. Pueden incluso
asociar de una manera aprendida algunos colores con la escala de brillos
que producen. Así, muchos daltónicos no son conscientes de su condición.
Hay diferentes pruebas para el diagnóstico del daltonismo y de sus
diferentes variantes.
Psicología de los
colores vivos o calientes en diferentes aspectos
COLORES CALIENTES O VIVOS:
Son amarillo, rojo y todos los colores que puedan mezclarse con estos
dos. El negro pertenece a esta clasificación, las actrices rubias
deberán llevar en su vestimenta y maquillaje estos colores para
neutralizar el efecto.
El negro
la ausencia de color no surgiere luto, dolor, desesperación, tortura,
ausencia de las cosas, sufrimiento, muerte y pena. También brujería,
magia, misterio, maldad, crimen y vergüenza. En el aspecto religioso,
surgiere el hábito de monje, monja y profunda penitencia.
El rojo
color de la sangre y, nos surgiere enojo, pasión, destrucción,
asesinato, vergüenza, estimulo, tragedia y odio. Es el color del fuego
surgiere calor, vigor, energía, valor y prisa.
El naranja
en la naturaleza, el color del otoño y la cosecha, nos surgiere estar
contento, calor, abundancia de risas y alegres, ligeramente el color de
la llama del fuego aquí nos surgiere pasión y cierta inquietud.
El amarillo fuerte
color del sol y la cosecha, el alegre verano que nos surgiere alegría,
jubilo, amor, sabiduría, si es el color del oro pompa, poder y riqueza.
Si es empamario el amarillo entonces nos surgiere celos, inconstancia,
decepción, decadencia, indecencia y enfermedad, como símbolo de cobardía
no surgiere infidelidad y traición.
OBRAS DE ARTE
Conservación y restauración de obras de arte,
proceso que consiste en detener el deterioro de objetos de valor
histórico o artístico y en restaurarlos para devolverles su estado
original. Para ello se examina la obra con el fin de identificar los
materiales que entran en su composición y poder así determinar las
causas de su deterioro. La restauración, además de detener éste, puede
revocar cualquier cambio hecho en la obra de arte por alguien ajeno al
artista que la terminó.
Son pocos los materiales estables (resistentes
a la desintegración o alteración química) que componen las obras de arte
y otros objetos artísticos. Por ejemplo, las pinturas al óleo tienen
tendencia a secarse, lo que produce cambios en el color o escamas. Las
materias orgánicas como la madera y el marfil se contraen o se dilatan
según la humedad de la atmósfera. Cuando estos cambios se hacen
visibles, el deterioro ya está avanzado. Las causas principales de estas
alteraciones poco deseadas se deben a exceso o defecto de humedad, luz,
calor o frío, a un ambiente contaminado, a plagas, a descuidos, al
contacto con objetos contaminados y a la incompatibilidad entre algunos
materiales.
Si el ambiente es demasiado húmedo, la madera
se hincha y el papel se ablanda y proporciona condiciones favorables
para el desarrollo de hongos en los materiales orgánicos. Si es
excesivamente seco, la madera y el marfil se comban y se rajan, mientras
que el cuero y el papel se quiebran. La radiación ultravioleta, presente
en la luz natural y en la artificial, decolora las acuarelas y los
tejidos y acelera su deterioro fotoquímico; también destiñe el papel. La
congelación y el sobrecalentamiento pueden ocasionar la fractura de
piedras, escayola o yeso y vidrio. Los insectos, los roedores, los
hongos y las bacterias pueden destruir las materias orgánicas como los
tejidos, el cuero, el papel y la madera. Los objetos que están en
contacto con materiales químicamente inestables pueden dañarse, como por
ejemplo un dibujo sobre un buen papel montado en un marco de pasta de
madera, o los colores de un collage que se oscurecen por la oxidación de
una cola de mala calidad. Muchos materiales se alteran por oxidación o
por reacción a los contaminantes del aire. Por ejemplo, en un ambiente
cargado de sulfuro (resultante de quemar combustibles fósiles) las
superficies de piedra caliza, mármol y escayola (donde se pueden pintar
frescos) pueden sufrir una reacción química transformando la calcita en
yeso que se dilata y se desconcha o se descascara.
La crítica y la psicología del arte, aunque
disciplinas independientes, están relacionadas con la estética. La
psicología del arte está relacionada con elementos propios de esta
disciplina como las respuestas humanas al color, sonido, línea, forma y
palabras, y con los modos en que las emociones condicionan tales
respuestas. La crítica del arte se limita en particular a las obras de
arte, y analiza sus estructuras, significados y problemas, comparándolas
con otras obras, y evaluándolas
MEDIOS, TÉCNICAS Y ESTILOS DE UNA OBRA DE ARTE
A lo largo de la historia, la pintura ha
adoptado diferentes formas, según los distintos medios y técnicas
utilizadas. Hasta el siglo XX, se ha venido apoyando, casi
invariablemente, en el arte del dibujo. En Occidente, la pintura al
fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad
media y durante el renacimiento, se basa en la aplicación de pintura
sobre yeso fresco o seco. Otra variedad antigua es la pintura al temple,
que consiste en aplicar pigmentos en polvo mezclados con yema de huevo
sobre una superficie preparada, que suele ser un lienzo sobre tabla.
Durante el renacimiento, la pintura al óleo vino a ocupar el lugar del
fresco y del temple; tradicionalmente se pensaba que esta técnica había
sido desarrollada a finales de la edad media por los hermanos flamencos Jan van Eyck y Hubert van Eyck, pero en la actualidad se cree que fue
inventada mucho antes. Otras técnicas de pintura son el esmalte, la
encáustica, el guache, la grisalla y la acuarela. En los últimos años se
ha extendido el uso de las pinturas acrílicas, con base de agua, de
rápido secado y que no se oscurecen con el paso del tiempo.
A lo largo de los siglos, se han venido
sucediendo diferentes métodos y estilos artísticos, así como teorías
relacionadas con la finalidad del arte para, en algunos casos,
reaparecer en épocas posteriores con alguna modificación. En el
renacimiento, la pintura al fresco en muros y techos cedió el paso a la
pintura de caballete al óleo, pero ha vuelto a cobrar actualidad en el
siglo XX con las obras de los muralistas mexicanos. La necesidad de
expresar una emoción intensa por medio del arte une a pintores tan
diferentes como el español El Greco, del siglo XVI, y los expresionistas
alemanes del siglo XX. En el polo opuesto de los intentos de los
expresionistas por revelar la realidad interior, siempre ha habido
pintores empeñados en representar exactamente los aspectos exteriores.
El realismo y el simbolismo, la contención clásica y la pasión
romántica, se han ido alternando a lo largo de la historia de la
pintura, revelando afinidades e influencias significativas.
ALGUNOS ESTILO DE OBRAS DE
ARTE
REALISMO, IMPRESIONISMO, Fauvismo,
Expresionismo, Cubismo, Pintura abstracta, Dadaísmo, Expresionismo
abstracto, Nuevo realismo, Nuevas tendencias abstractas,
Neoexpresionismo, Manierismo ECT.
Fauvismo,
movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y
1908,
aproximadamente) que revolucionó el concepto del color en el arte
contemporáneo. Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas
empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos,
introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh,
para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza
poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado,
desprovisto de dramatismo lumínico.
El término fauves, literalmente ‘fieras’, fue
una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica con motivo de la primera
exposición, en el Salón de Otoño de 1905, aunque los miembros del grupo
ya pintaban en ese estilo con anterioridad a esta fecha.
Sus integrantes fueron André Derain,
Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert
Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal
exponente. El término fauves nunca fue
aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe de ningún
modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.
Técnicamente, el uso fauvista del color derivó
de los experimentos realizados por Matisse en Saint-Tropez durante el
verano de 1904, donde contactó con los pintores que aplicaban pequeñas
manchas de color puro para conseguir una imagen óptica más científica
que la de los impresionistas. Los cuadros neoimpresionistas de Matisse,
mientras siguió estrictamente estas reglas, ya mostraban un pronunciado
interés por el lirismo del color.
En el verano de 1905, Matisse y Derain
pintaron juntos en Collioure con “una luz dorada que elimina sombras”.
Empezaron a usar los colores complementarios puros, en pinceladas
vigorosas y uniformes, obteniendo así campos lumínicos más que
representaciones objetivas de la luz. Con su colorido estridente, estos
cuadros evocan en el espectador el espíritu del Mediterráneo. Cuando
ambos conocieron las pinturas de los mares del Sur de Gauguin, se
confirmaron en sus teorías sobre la subjetividad del color y se
consolidó el movimiento fauvista.
Matisse rompió definitivamente con la
representación naturalista (óptica) del color: la nariz de una mujer
puede representarse con una mancha verde si con ello se añade
expresividad a la composición. “Yo no pinto mujeres, pinto cuadros”,
dijo textualmente este artista.
Cada pintor fauvista experimentó con las
premisas del estilo a su modo. Hacia 1908, no obstante, todos habían
abandonado su vinculación al grupo, aunque mantuvieron en su obra la
constante del colorido como elemento expresivo de la pintura.
Cubismo,
movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo
objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y
conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un
objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor
de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar
la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo
significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en
el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una
revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura
tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el
color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo.
Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a
la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las
tribus de África y Oceanía.
Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que “todas las
formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” y
está influido por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat.
La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque
analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas
geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el
cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas
subyacentes. Otra fase de la pintura cubista (el cubismo sintético)
presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver
simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva.
En ninguno de los dos cubismos, analítico o sintético, se pretende
reproducir en detalle el aspecto real de los objetos. Entre los retratos
y naturalezas muertas cubistas destacan los instrumentos y los
arlequines ya que eran fáciles de diseccionar de forma geométrica. Para
evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante
su primer periodo, o periodo analítico, una paleta muy restringida de
grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en
diferentes tonalidades de un mismo color. Después de 1914, durante el
periodo sintético, muchos cubistas introdujeron colores más brillantes
en sus obras.
Además de Pablo Picasso y Georges Braque,
otros pintores cubistas importantes fueron: Albert Gleizes, Robert
Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La
Fresnaye y Juan Gris. Entre los escultores cubistas más importantes, que
aplicaron a la escultura los mismos principios artísticos que los
pintores, se cuentan Pablo Picasso, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko. Y entre los incontables artistas
influidos por las ideas y técnicas cubistas se encuentran Maurice de
Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.
Expresionismo,
corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las
emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva.
El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y
primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían
prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las
anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista expresionista trató
de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin
preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de
las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas
se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación
artística.
Surrealismo (arte), movimiento artístico y
literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton.
Breton
publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se
convirtió, acto seguido, en el líder del grupo. El surrealismo surgió
del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en
literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura
occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del
inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera
mucha más ordenada y seria.
En pintura y escultura, el surrealismo es una
de las principales tendencias del siglo XX. Reivindica, como sus
antecesores en las artes plásticas, a pintores como el italiano Paolo Uccello, el poeta y artista británico William Blake y al francés Odilon
Redon. En el siglo XX también son admiradas, y a veces expuestas como
surrealistas, ciertas obras de Giorgio de Chirico, del ruso Marc Chagall,
del suizo Paul Klee y de los franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia,
así como del español Pablo Picasso, aunque ninguno de ellos formó parte
del grupo. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp así como el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyen
entre sus miembros. Se unieron por un corto periodo de tiempo el francés André Masson y el español Joan Miró. Ambos pintores fueron miembros del
grupo surrealista pero, demasiado individualistas para someterse a los
dictados de André Breton, se desligaron del mismo en 1925. Más tarde, se
incorporó el pintor franco-estadounidense Yves Tanguy, así como el belga
René Magritte y el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador
Dalí se asoció en 1930, pero después sería relegado por la mayoría de
los artistas surrealistas, acusado de estar más interesado en la
comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de
ello, durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo. Su
personal obra constituye una de las muestras más representativas del
surrealismo.
La pintura surrealista es muy variada en
contenidos y técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe sus sueños de una
manera más o menos fotográfica, inspirándose en la primera etapa de la
pintura de De Chirico. Las esculturas de Arp son grandes, lisas y de
forma abstracta. Por otra parte, Miró, miembro formal del grupo durante
una corta etapa, representó formas fantásticas que incluían adaptaciones
de dibujos infantiles. El pintor ruso-estadounidense Pavel Tchelichew
pintó cuadros y también creó numerosas escenas para ballets. En la
década de 1940, coincidiendo con el exilio en México de artistas
españoles influidos por el surrealismo, así como la visita de Bretón,
que recorrió el país acompañado de Diego Rivera y del político soviético Trotski, el movimiento se extendió de forma relativa y limitada entre
círculos intelectuales mexicanos (ver Remedios Varo).
La rama surrealista estadounidense está
formada por el grupo conocido como Los Realistas Mágicos, bajo el
liderazgo del pintor Paul Cadmus. El escultor Joseph Cornell comenzó
como surrealista, pero más tarde persiguió una forma de expresarse más
individual. Una colección representativa de la obra gráfica de los
surrealistas se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York
(MOMA).
ALGUNOS PINTORES DE OBRAS
DE ARTE
Leonardo da Vencí, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano, Francisco de Goya, Diego Velásquez, El Greco, Paolo Uccello,
Masaccio, Giotto, hermanos flamencos Jan van Eyck y Hubert van Eyck,
Pablo Picasso, Alberto Durero, ECT.
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